Getting a Life: The Social Worlds of Geek Culture

Benjamin Woo, Getting a Life: The Social Worlds of Geek Culture, Montréal, McGill-Queen’s University Press, 2018, 268 pages, ISBN 9780773552845

Recension d’Isabelle Licari-Guillaume

Image tirée du compte Twitter de l’auteur – https://twitter.com/geek_worlds/status/974660274237124608

Getting a Life aborde, sous l’angle sociologique, les communautés culturelles de fans que l’on désigne habituellement sous le nom de « nerds » ou « geeks » (deux termes dont Woo montre qu’ils ont en fait un sens à peu près analogue). L’ouvrage est une enquête pour laquelle l’auteur a observé durant plusieurs mois un échantillon paritaire de six individus se réclamant d’une identité nerd / geek, et investis dans un ou plusieurs fandoms[1], souvent via leur participation aux événements menés par les structures locales (associations de cinéphiles ou de reconstitution historique, boutiques de comics, etc.). En cela, le travail de Benjamin Woo se place dans le domaine des fan studies, emmenées notamment par Henry Jenkins et Mizuko Ito.

Bien que l’étude ait été conduite majoritairement en Amérique du Nord (l’auteur ne précise pas dans quelle ville), sa validité ne paraît pas limitée à cette aire géographique. En effet, la plupart des pratiques associées à la communauté geek sont également répandues en Europe, qu’il s’agisse de jeux de cartes ou de plateau, de jeu de rôle en ligne ou sur table, ou encore de comics et de science-fiction. On peut donc supposer que les conclusions qu’il tire sont susceptibles de nous éclairer sur les usages geek en France et en Europe, particulièrement dans la mesure où les communautés concernées doublent leurs pratiques locales d’un usage intense des médias numériques qui, par nature, tendent à abolir les distances.

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Les Rouages de l’intrigue, une lecture appliquée à la bande dessinée

Raphaël Baroni, Les Rouages de l’intrigue, Genève, Slatkine, collection « Erudition », 2017

Recension de Côme Martin

Les Rouages de l’intrigue, paru en 2017, est le dernier ouvrage du narratologue suisse Raphaël Baroni. S’il s’inscrit dans la droite lignée de ses ouvrages précédents, La Tension narrative (2007) et L’Œuvre du temps (2009), et peut en être considéré comme une récapitulation partielle, il s’agit surtout d’un ouvrage de vulgarisation, comme l’indique sa préface, écrit dans un effort de redynamiser l’enseignement littéraire en y faisant la part belle à l’intrigue, domaine de recherche de Baroni depuis plus de quinze ans. Cet ouvrage, qui ne traite pas explicitement ni exclusivement de bande dessinée, est pourtant une lecture importante pour tout chercheur s’intéressant à la narrativité graphique, tant l’une de ses affirmations récurrentes – l’intrigue est présente dans tout récit, même le plus apparemment intellectuel et détaché de toute considération narrative – peut s’appliquer à nos propres sujets d’étude. Lire la suite

Souvenirs de Captain Marvel

Couverture par Keiler Roberts (© Keiler Roberts 2016)

Brian Cremins, Captain Marvel and the Art of Nostalgia, Jackson, University Press of Mississippi, 2016, 203 pages, ISBN 978-1-4968-0876-9.

Note critique de Benoît Crucifix

Le premier souvenir de Captain Marvel est peut-être celui d’une forme de mort légale : le personnage de Fawcett serait une pâle copie de Superman et son éditeur, National Comics (aujourd’hui DC), n’entend pas laisser passer l’affaire. Après un long procès, ponctué de plusieurs appels et différentes auditions, l’affaire se conclut en 1952, quand Fawcett concède de cesser la publication du Captain Marvel de C.C. Beck et Otto Binder.1 Alors que les superhéros habitaient un « présent immobile », selon la formule d’Umberto Eco (1976, 33), l’accord juridique entre les deux éditeurs condamnait définitivement Captain Marvel au passé2, si ce n’est pour subsister dans les mémoires de ses lecteurs, conférant au personnage une valeur nostalgique toute particulière :

Pour les lecteurs, c’est la disparition de Captain Marvel des kiosques et des drugstores. C’est une fin qui inspire des sentiments de nostalgie, puisqu’on tente de retrouver ce qui a été perdu, négligé, ce qui semble impossible (Cremins 2016, 8).3

Cette fin n’en est pas vraiment une et ne fait qu’inspirer de nouveaux départs : c’est cette expérience nostalgique comme imagination utopique qui est au cœur de la monographie de Brian Cremins. Plutôt que de voir dans la nostalgie un sentiment réactionnaire, opposé au changement et s’évadant dans un passé de papier mâché, Captain Marvel and the Art of Nostalgia revendique une nostalgie orientée vers le futur, qui trouve dans le passé des lectures alternatives. Ce cadre est largement basé sur la théorie de la nostalgie élaborée par Svetlana Boym (2001) ; un parti pris assumé dès le départ et qui se permet donc d’être plus économe avec ce champ de recherche autour de la nostalgie.4 Pour autant, le cadre n’est pas plaqué tel quel et est au contraire appliqué avec beaucoup de justesse à l’histoire de la bande dessinée. L’originalité de l’approche de Cremins réside justement dans la manière dont il se saisit du rapport complexe qu’entretient la recherche en bande dessinée à la nostalgie et au fandom.

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What Happens When Nothing Happens: une poétique de l’ennui en bande dessinée

Greice Schneider. 2016. What Happens When Nothing Happens. Boredom and Everyday Life in Contemporary Comics. Leuven: Leuven University Press.

Une poétique de l’ennui en bande dessinée : paradoxes et mérites d’une méthode glissante et dialectique

Note critique d’Irène Le Roy Ladurie

L’ouvrage What happens when nothing happens est tiré de la thèse de doctorat de Greice Schneider, actuellement professeure en communication à l’Université fédérale de Sergipe. Elle propose une exploration originale des romans graphiques contemporains nord-américains et européens sous l’angle inattendu de l’ennui et du quotidien. Greice Schneider module une approche à la fois historique, culturelle, esthétique et narratologique du phénomène. C’est la pluralité de ces angles articulés dans une combinatoire cohérente qui fait pour partie le grand mérite de l’ouvrage, renouvelant des approches par trop monolithiques dans l’exégèse des bandes dessinées. Le corrélat plus appréciable encore de cette démarche est le parti pris d’analyse complète d’œuvres de bandes dessinées, tout au long de l’ouvrage, mais également au terme de celui-ci dans trois chapitres dédiés respectivement à Adrian Tomine, Lewis Trondheim et Chris Ware, prouvant ainsi qu’il n’est pas d’étude approfondie du 9ème art sans commentaire exigeant et exhaustif d’œuvre de bande dessinée. Lire la suite

Disaster Drawn: Visual Witness, Comics, and Documentary Form

Hillary Chute, Disaster Drawn: visual witness, comics, and documentary form, Harvard University Press, 2016, 359 p.

Recension d’Isabelle Licari-Guillaume

Dès réception de l’ouvrage, ce qui saute aux yeux est la qualité matérielle du volume ; publié aux Presses Universitaire de Harvard, Disaster Drawn bénéficie d’une impression soignée et de très nombreuses pages en couleur où sont reproduits des extraits des différents ouvrages de bande dessinée analysés par Chute, mais aussi des gravures et autres supports iconiques qu’elle aborde. Cette abondance d’illustrations, très appréciable à la lecture, permet de suivre aisément l’autrice dans son parcours de l’histoire des formes iconotextuelles et de leur rapport au récit traumatique. Chute maintient d’ailleurs le parti pris déjà adopté dans son précédent ouvrage, Graphic Women, qui consiste à reproduire les images au plus proche de leur format d’origine, en cohérence avec la grande attention qu’elle accorde aux supports visuels.

Toujours sur la forme, en revanche, on s’interroge quant à la pertinence d’une section bibliographique intégralement présentée sous forme de notes de fin de texte, lesquelles occupent près de 80 pages entrelardées des notes textuelles explicatives (pp. 267-346) : dans ces conditions, l’accès aux sources devient un parcours du combattant, particulièrement regrettable dans le cadre d’un projet si clairement tourné vers le lectorat universitaire. Lire la suite

La Bande dessinée contemporaine

Nicolas Labarre, La bande dessinée contemporaine, Presses Universitaires Blaise-Pascal, Collection « L’opportune », 2018, 64 p.

Recension de Benjamin Caraco

La bande dessinée a eu droit aux honneurs de la collection encyclopédique « Que sais-je ? » dès 1985. Le volume écrit par Annie Baron-Carvais (2007) a connu cinq éditions jusqu’en 2007 et n’a pas été actualisé depuis ou confié à un nouveau spécialiste, comme c’est parfois le cas. Si le sujet a bénéficié d’autres introductions – telles que La Bande dessinée de Benoît Peeters (1993) parue dans la collection « Dominos » de Flammarion en 1993 ou un autre ouvrage éponyme signé Thierry Groensteen (1997) pour les « Essentiels » de Milan en 1997, mis à jour en 2005 – force est de constater que de telles tentatives sont rares, en dépit de l’importance de la bande dessinée en termes économiques et culturels.

Ces synthèses jouent pourtant un rôle déterminant puisqu’elles sont bien souvent la seule occasion pour le lecteur intéressé, ou simplement curieux, de disposer d’une vue d’ensemble de la bande dessinée et de découvrir une réflexion critique, historique et théorique sur le médium. En cela, La Bande dessinée contemporaine de Nicolas Labarre (2017), spécialiste de la civilisation américaine et auteur d’un récent Heavy metal, l’autre Métal hurlant, est une initiative bienvenue. Publié dans la nouvelle collection « L’opportune » des Presses universitaires Blaise Pascal, le livre entend faire le point sur le sujet en 64 pages, prenant ici comme fil directeur l’évolution des supports de la bande dessinée contemporaine1. L’accent mis sur une telle temporalité conduit Labarre à passer rapidement sur les aspects historiques. Il compare toutefois, dans le premier chapitre, la situation de la bande dessinée à cinquante ans d’intervalle afin de mettre en lumière les nouveautés intervenues ainsi que les éléments de continuité.

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The Narratology of Comic Art

Kai Mikkonen, The Narratology of Comic Art, Routledge, Collection « Routledge Advances in Comics Studies », 2017.

Recension d’Anne Grand d’Esnon

Ayant commencé à apprendre à lire avec des bandes dessinées, je me suis depuis posé des questions comme « Pourquoi les récits de bandes dessinées sont-ils si intéressants et attirants ? » et « Qu’est-ce qui est particulièrement efficace dans le fait de raconter des histoires grâce à cette forme d’art et de littérature ? ». L’écriture de The Narratology of Comic Art a été l’occasion d’explorer de telles questions en profondeur.

Having first learned how to read by way of comic books, I have posed questions to myself such as: « Why are comics so interesting and appealing as narratives? » and « What is particularly effective about telling stories in this form of art and literature? ». The process of writing The Narratology of Comic Art has been a meaningful way to explore such questions. (Mikkonen 2017, 278)

Dans la conclusion de son ouvrage The Narratology of Comic Art, Kai Mikkonen insiste sur l’enrichissement et l’articulation entre expérience et plaisir de lecture d’une part, et recherche narratologique d’autre part, là où certain·es verraient une contradiction. La narratologie, pour Mikkonen, n’a véritablement d’intérêt que si elle tente de comprendre le rôle de la forme dans la production de sens. Cette conception de la théorie narrative s’appuie en même temps sur un parti-pris qui consiste à en circonscrire d’emblée le territoire en renonçant à une ambition théorique totalisante, en accordant une place essentielle à l’interprétation et aux exemples : une narratologie qui produit et affine des outils d’analyse souples au service des œuvres, susceptible de se déplacer et de se transformer en fonction des médiums et des périodes. Le résultat de cette entreprise est un ouvrage qui synthétise et approfondit un ensemble de problématiques de la narration de bande dessinée jusqu’ici plus éparses. Lire la suite

Petite histoire politique de la BD belge de langue française, années 1920-1960

Philippe Delisle, Petite histoire politique de la BD belge de langue française, années 1920-1960, Paris, Éditions Karthala, Collection « Esprit BD », 2016.

Recension de Jessica Kohn

Philippe Delisle dirige la collection « Esprit BD » depuis 2008 aux Éditions Karthala. Celle-ci développe l’étude de divers thèmes historiques et sociologiques repérables dans les récits en bande dessinée, qu’il s’agisse de l’imaginaire colonial (2008 ; 2011), du catholicisme (2010 ; 2016) ou des représentations du Moyen Âge (2016). Son but est de faire ressortir les représentations construites par la bande dessinée et qui participent ainsi à l’édification d’une culture partagée. Dans son dernier ouvrage, Petite histoire politique de la BD belge de langue française, Philippe Delisle s’attache de cette manière à explorer certains aspects politiques particulièrement prééminents dans la bande dessinée des années 1920 aux années 1960. Il limite toutefois son corpus aux productions éditées en Belgique francophone, productions qu’il désigne comme « wallono-bruxelloises ». Ses principales sources sont les récits publiés par des auteurs belges ou français dans les illustrés Tintin et Spirou, complétés par certaines histoires parues dans Héroïc-Albums et Petits Belges. Lire la suite

Arresting Development: Comics at the Boundaries of Literature

Christopher Pizzino, Arresting Development: Comics at the Boundaries of Literature, Austin, University of Texas Press, 2016, 231 pages, ISBN 978-1-477-30977-3

Note critique d’Isabelle Licari-Guillaume

Dans Arresting Development, Christopher Pizzino s’intéresse au statut culturel de la bande dessinée états-unienne depuis le début des années 1980, postulant que le contexte social dans lequel s’opèrent la production et la réception de la bande dessinée a une influence directe sur les contenus ainsi produits. Il montre que malgré l’avènement d’un discours axé sur l’idée d’une maturation progressive du média, selon lequel la bande dessinée serait à présent pleinement « adulte » et légitime, les auteur‧trices de comics1 sont renvoyé‧es à une illégitimité de fait, d’autant plus difficile à dénoncer qu’elle est masquée par l’omniprésence de ce discours. La production des auteur‧trices de bande dessinée est donc marquée par une conscience aigüe de l’illégitimité de leur média, et cette conscience influence l’identité esthétique et narrative de l’œuvre, indépendamment du fait que l’auteur‧trice ait ou non l’intention consciente de problématiser ces questions de statut. Ces auteur‧trices de comics incorporent dans leur discours une autocritique qui peut s’apparenter à une forme d’autodestruction, et que Pizzino nomme « autoclasme » (autoclasm).

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Cultures of Comics Work

Brienza, Casey, and Paddy Johnston (eds.), Cultures of Comics Work, Palgrave, 2016, 308 pages, ISBN 978-1-137-55090-3

Recension de Bounthavy Suvilay 

Même si dans la presse grand public, l’auteur reste l’équivalent d’un démiurge solitaire pour les besoins des récits médiatiques et des stratégies de promotion commerciale, la sociologie et l’histoire littéraire ont depuis assez longtemps tordu le cou à cette idée reçue. Howard Becker (1988) rappelait dans Les Mondes de l’art que la croyance en l’excellence d’un artiste se reflétant dans le génie d’une œuvre est une idée historiquement datée et spécifique à certaines cultures. De son côté, Alain Vaillant (2010) a montré de quelle manière Pierre Bourdieu s’est laissé influencé par le discours scolaire de canonisation des auteurs dans sa présentation de l’autonomisation de la littérature. Les sociologues de l’art et de la culture en France (Jeanpierre et Roueff 2014, Lizé et alii 2011, Lizé et alii 2014) ont également produit de nombreux travaux récents sur les intermédiaires culturels et leur rôle sur la création de valeurs. Jean-Matthieu Méon (2014) consacre d’ailleurs un article aux « Logiques et pratiques de l’intermédiation dans l’édition de bande dessinée en France ». Dans le même temps, la crise du livre a poussé les auteurs de bande dessinée à se rassembler pour défendre leurs droits et une vaste enquête supervisée par des sociologues a permis de dresser un état des lieux de la profession en 2015[1]. Lire la suite

La Balade nationale

Sylvain Venayre, Etienne Davodeau, La Balade nationale. Paris, La Découverte / La Revue dessinée, « Histoire dessinée de la France », t. 1, « Les Origines », 2017, 168 pages, ISBN 979-1092530407

Recension de Sylvain Lesage 

Il n’est pas besoin de chercher bien loin pour trouver des marques de l’intérêt grandissant pour les formes d’hybridation entre histoire et bande dessinée. Pour n’en prendre qu’un exemple récent, la collaboration d’historien·ne·s de premier plan à la collection « Ils ont fait l’histoire » des éditions Glénat (Hervé Leuwers sur Robespierre (Gabella 2017), Vincent Duclert sur Jaurès (Morvan 2014), Florence Alazard sur François Ier…) témoigne d’une capacité des historien·ne·s à s’emparer de formes visuelles d’écriture de l’histoire. Cet abaissement des frontières entre histoire et bande dessinée tient assurément, pour partie, à la vogue de la bande dessinée de non-fiction, portée notamment par l’œuvre de Joe Sacco, ainsi que par des entreprises éditoriales réussies telles que « La Petite Bédéthèque des savoirs » (Le Lombard) et La Revue dessinée. Ces formes dessinées de l’investigation journalistique et scientifique, des sociologues s’en sont déjà emparées – par exemple à travers la collection « Sociorama » (Casterman). Lire la suite

Bibliographies : archives des bibliographies « Laboratoire Sciences dessinées »

Auteurs : Laboratoire Junior Sciences Dessinées (Bénédicte Tratnjek et Tristan Martine)

Afin de compléter les bibliographies réalisées dans le cadre de La Brèche, la liste ci-dessous renvoie vers l’ensemble des bibliographies réalisées dans le cadre du laboratoire Junior « Sciences Dessinées » (ENS de Lyon). Lire la suite

A Theory of Narrative Drawing

Simon Grennan, A Theory of Narrative Drawing, New York, Palgrave, collection “Palgrave Studies in Comics and Graphic Novels”, 2017, 277 pages.  ISBN 978-1-137-51844-6.

Note critique de Brigitte Friant-Kessler

Commençons par la fin. Arrêt sur image : La leçon d’anatomie du docteur Tulp de Rembrandt, peint en 1632. Rassemblés autour de celui qui officie, des chirurgiens et pairs observent et suivent avec attention les gestes qui consistent à disséquer un bras. Ma vision, fortement contingentée par la lecture que je viens de terminer, à savoir A Theory of Narrative Drawing, se superpose à ma perception du tableau, par ailleurs associé à plusieurs pastiches et parodies visuelles dont l’une me remet Astérix et le devin en mémoire. La composition et le sujet du tableau renvoient à l’idée même de mouvement entre le corps et l’âme (Descartes en Hollande), les débats sur les planètes (Galilée) et la circulation des savoirs. De cet ensemble ne peuvent s’éclipser d’autres œuvres visuelles vues, aperçues, commentées et étudiées, soit concomitantes à la période, ou datant d’une époque antérieure (La Fabrica de Vésalius). Lire la suite

Ouvrages à recenser

2018

  • David Herman, Animals comics: multispecies Storyworlds in Graphic Narratives, Bloomsbury Academic
  • Anne Elizabeth Moore, Sweet Little Cunt: The Graphic Work of Julie Doucet,Uncivilized Books
  • Jan Baetens & Clémentine Mélois, Le Roman-photo, BDTK, Le Lombard
  • Philippe Kaenel, La Caricature en Suisse, Presses polytechniques et universitaires romandes.
  • Maël Rannou (dir.), Bande dessinée en bibliothèque, Éditions du Cercle de la Librairie.
  • Oscar Masotta, Historieta en el mundo moderno, Ediciones Mamortilla, réédition.
  • Julien Baudry, Cases-pixels: une histoire de la BD numérique en France, Tours, Presses Universitaires François-Rabelais, coll. Iconotextes.
  • Julio Gracia Lana et Ana Asión Suñer (dir.), Nuevas visiones sobre el cómic: un enfoque interdisciplinar, Zaragoza, Prensas de la Universidad de Zaragoza.
  • Jean Rime, Bédédicaces, tout un art au seuil du neuvième art, Éditions Montsalvens.
  • Aaron Kashtan, Between Pen and Pixel: Comics, Materiality, and the Book of the Future, Columbus, Ohio State University Press.
  • Michael Tisserand, Krazy Kat: George Herriman, une vie en noir et blanc, Paris, Les Rêveurs
  • Maaheen Ahmed et Benoît Crucifix (dir.), Comics Memory: Archives and Styles, New York, Palgrave
  • Carmélie Jacob et Catherine Saouter (dir.), “La Bande dessinée québecoise,” numéro spécial de Voix et Images, volume 43, numéro 2.
  • Michel Matly, La fonction de la bande dessinée, Clermont-Ferrand, PU Blaise-Pascal
  • Pascal Robert, La bande dessinée, une intelligence subversive, Villeurbanne, Presses de l’ENSSIB.
  • Dariek Scott et Ramzi Fawaz (dir.), “Queer About Comics”, numéro spécial de American Literature, volume 90, numéro 2.
  • Sylvain Lesage, Publier la bande dessinée : les éditeurs franco-belges et l’album, 1950-1990, Villeurbanne, Presses de l’ENSSIB.
  • Vincent Chambarlhac, Julien Hage & Bertrand Tillier, Le Trait 68. Insubordination graphique et contestations politiques, 1966-1973, Paris, Citadelles & Mazenod
  • Simon Grennan, Roger Sabin et Julian Waite, Marie Duval, Oxford, Myriad
  • Nicolas Streeten & Cath Tate, The Inking Woman: 250 Years of Women Cartoon and Comic Artists in Britain, Oxford, Myriad
  • Nicolas Tellop, Snoopy Theory, Le Murmure
  • Wendy Michallat,French Cartoon Art in the 1960s and the 1970s. “Pilote hebdomadaire” and the Teenager “Bande dessinée”, Leuven, Leuven University Press

2017

  • Ahmed, Maaheen, Stéphanie Delneste & Jean-Louis Tilleuil (dir.), Le Statut culturel de la bande dessinée/The Cultural Standing of Comics, Louvain-la-Neuve, Academia-L’Harmattan
  • Bande dessinée: Thinking Outside the Boxes, numéro spécial de Yale French Studies n° 131
  • Cutter, Martha J., The Illustrated Slave: Empathy, Graphic Narrative, and the Visual Culture of the Transatlantic Abolition Movement, 1800–1852, Atlanta, University of Georgia Press
  • Fresnault-Deruelle, Pierre, Edgar P. Jacobs ou l’image arrêtée, Tours, Presses Universitaires François-Rabelais, coll. Iconotextes
  • Gardner, Jared & Ian Gordon (dir.), The Comics of Charles Schulz: The Good Grief of Modern Life, Jackson: University of Mississippi Press
  • Grace, Dominick & Eric Hoffman (dir.), The Canadian Alternative: Cartoonists, Comics, and Graphic Novels, Jackson, University Press of Mississippi
  • Groensteen, Thierry, La Bande dessinée au tournant, Bruxelles, Les Impressions Nouvelles
  • Herman, David (dir.), Animal Comics: Multispecies Storyworlds in Graphic Narratives, Londres, Bloomsbury
  • Kunka, Andrew, Autobiographical Comics, Londres, Bloomsbury
  • Le Sacre de la bande dessinée, numéro spécial de Le Débat n° 195 (2017)
  • Mainardi, Patricia, Another World: Nineteenth-Century Illustrated Print Culture, New Haven, Yale University Press
  • Dan Mazur & Alexander Danner, Comics. Une histoire de la BD, de 1968 à nos jours, Paris, Hors Collection
  • Pasamonik, Didier, Joël Kotek, Shoah et bande dessinée. L’image au service de la mémoire, Paris, Denoël Graphic / Mémorial de la Shoah
  • Polak, Kate, Ethics in the Gutter: Empathy and Historical Fiction in Comics, Columbus, Ohio State University Press
  • Robert, Pascal, De l’incommunication au miroir de la bande dessinée, Clermont-Ferrand, Presses universitaires Blaise Pascal
  • Tellop, Nicolas, L’Anti-Atome, Montrouge, PLG

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Le roman graphique

Bibliographie commentée

Auteurs : Agatha Mohring, Côme Martin, Benoît Crucifix

Date de création : 13/03/2016

Date de mise à jour : 13/03/2016


Les productions artistiques étiquetées « roman graphique » du début du XXe siècle à nos jours revêtent des formes si différentes qu’on a parfois l’impression que le roman graphique est un « objet non identifié », ou du moins que ses contours sont flous et ses frontières poreuses. Ce qui est aujourd’hui une sorte de « label roman graphique » tend à se confondre avec un « label bande dessinée d’auteur », regroupant des sous-genres hétérogènes comme la bande dessinée autobiographique, historique, anthropologique, les récits de voyage etc. Ces productions hétéroclites, tant au niveau graphique que narratif et médiatique, regroupées sous la bannière du roman graphique, n’ont que peu de choses à voir avec les nouvelles illustrées ou les bandes dessinées xylographiques de la première moitié du XXe siècle, dénommés également romans graphiques. Lire la suite