The Comics Scare Returns: The Contemporary Resurgence of Horror Comics

Terrence R. Wandtke, The Comics Scare Returns: The Contemporary Resurgence of Horror Comics, Rochester, NY : RIT Press, coll. Comics Studies Monograph Series, 2018, 300 pages, ISBN : 9781939125514

Le titre de The Comics Scare Returns fait référence à The Dark Knight Returns, de Frank Miller, mais doit surtout être compris comme un écho du précédent ouvrage de Terrence Wandtke, The Dark Night Returns (2015), déjà publié par les presses universitaires du Rochester Institute of Technology. Les deux livres forment en effet un diptyque consacré aux résurgences contemporaines des crime comics[1] et des comics d’horreur. Comme son titre l’indique, c’est sur ces derniers que porte The Comics Scare Returns. Continuer la lecture

The British Comic Book Invasion

Jochen Ecke, The British Comic Book Invasion : Alan Moore, Warren Ellis, Grant Morrison and the Evolution of the American Style, Jefferson : McFarland, coll. « Critical Explorations in Science Fiction and Fantasy », 2019, 274 pages, ISBN : 9781476674155.

Introduction

Cette note critique concerne le livre de Jochen Ecke, intitulé The British Comic Book Invasion : Alan Moore, Warren Ellis, Grant Morrison and the Evolution of the American Style. L’ouvrage est paru en 2019 chez McFarland dans la collection « Critical Explorations in Science Fiction and Fantasy », dirigée par Donald E. Palumbo et C.W. Sullivan III. 

Dans cet ouvrage, l’auteur interroge le phénomène connu sous le nom d’Invasion britannique, qui désigne à partir du milieu des années 1980 l’arrivée massive dans le secteur de la BD mainstream états-unienne de scénaristes britanniques tels qu’Alan Moore ou Grant Morrison, souvent salués par les fans et la critique comme des sources d’innovation et de remise en cause du statu quo. Ecke se propose d’aborder ce phénomène du point de vue de la forme et de la poétique : il s’intéresse aux « activités cognitives et aux expériences esthétiques du public durant la lecture de comic books »[1]. En particulier, il décide de laisser de côté l’analyse des contenus et des thèmes au profit d’une considération de la narration (syuzhet) et de la réponse attendue du lecteur. Méthodologiquement, sa référence centrale est le théoricien du cinéma David Bordwell, auquel il fait fréquemment référence tout au long de l’étude ; il s’agit de savoir quelles informations sont données au lecteur et comment elles sont reçues afin de composer un récit. Continuer la lecture

Neon Visions: The Comics of Howard Chaykin

Neon Visions - image de couverture (LSU Press)

Brannon Costello, Neon Visions. The Comics of Howard Chaykin, Louisiana State University Press, 2017, 351 pages, ISBN: 978-0-8071-6832-5

Howard Chaykin est un auteur majeur des comic books américains populaires de la fin des années 70 et des années 80. Avec Michael Kaluta, Berni Wrightson ou encore Walt Simonson, il fait partie d’une génération intermédiaire – la fin de la 3e génération des créateurs de comic books (Gabilliet 2010, 166) – celle qui commence à travailler pour des compagnies comme DC ou Marvel juste avant un bouleversement majeur à la fois du modèle économique du secteur et du statut juridique et culturel des auteurs de bande dessinée, à la fin des années 70. Chaykin est ainsi simultanément le dessinateur de l’adaptation de Star Wars pour Marvel Comics en 1977 – travail de commande et succès phénoménal à l’unisson du film – mais aussi un contributeur régulier de publications indépendantes comme Star*Reach ou Heavy Metal, qui vont tenter à partir du milieu des années 70 d’associer bande dessinée populaire et bande dessinée d’auteur, dans ce qu’on a appelé les comics « ground-level ». Il illustre aussi à cette époque plusieurs exemples précoces de « graphic novel », au moment où émerge cette notion.

Continuer la lecture

L’Anti-Atome : Franquin à l’épreuve de la vie

Le point de départ du premier essai de Nicolas Tellop, spécialiste de bande dessinée et de cinéma dont on retrouve les écrits dans Les Cahiers de la BD, Septième Obsession ou Neuvième art 2.0 est la notion de « Style Atome ». À l’instar de la « Ligne Claire », cette expression sert à qualifier le style graphique de certains dessinateurs de la presse belge pour enfants des années 1950, en particulier Jijé, André Franquin, et leurs confrères de la rédaction du Journal de Spirou (Roba, Peyo, Will, Macherot, Dino Attanasio…). Le nom de ce style, donné a posteriori et ne correspondant pas réellement à une « école » graphique historiquement identifiable, vient de l’Atomium exposé à Bruxelles lors de l’Expo 58, symbole éclatant du modernisme triomphant de la société occidentale à la fin des années 1950. Continuer la lecture

Breaking the Frames: Populism and Prestige in Comics Studies

Marc Singer, Breaking the Frames. Populism and Prestige in Comics Studies, University of Texas Press, 2019. 292 pages, 34,95$, ISBN: 978-1-4773-1710-5

Breaking the Frames est un livre dont la parution a fait grand bruit dans le milieu des comics studies nord-américaines début 2019, notamment grâce au choix de rendre disponible largement son introduction saignante, sur Amazon, Google Books ou sur le site du Comics Journal. Ce retentissement s’explique non seulement par regard critique acéré que porte Singer sur l’état de la discipline[1] mais aussi par sa volonté de désigner nommément les auteurs et les textes qui lui semblent défaillants sur le plan méthodologique. S’il n’est pas rare dans les études de bande dessinée de découvrir des désaccords théoriques marqués – lorsque Simon Grennan éreinte Neil Cohn dans A Theory of Narrative Drawing, par exemple – ou des recensions en forme de manifeste méthodologie – Martin Lund sur les lectures politiques de super-héros, ou à la critique fondatrice de l’état du champ par Bart Beaty en 2004 (« Assessing ») – il est inédit qu’un ouvrage entier soit consacré à ce type d’analyse. Singer explique cependant avoir été poussé à écrire à la fois par la lecture répétée d’articles indignes, mais aussi par son désir de redynamiser la discipline (« The (Re)Collection Agency #11 »). En ce sens, il semble introduire dans le versant universitaire de la discipline une pratique de la polémique longtemps cantonnée au versant érudit et éditorial, et dont l’exemple paradigmatique reste le courrier des lecteurs du Comics Journal dans les années 80 et 90. Si ses effets restent à vérifier sur le moyen et le long-terme, et si l’ouvrage lui-même n’est pas irréprochable, les réactions immédiates qu’il a suscitées démontrent l’utilité de cette critique franche. Continuer la lecture

(À Suivre) Archives d’une revue culte

Sylvain Lesage et Gert Meesters (dir.), (À Suivre) Archives d’une revue culte, Tours : Presses universitaires François-Rabelais, collection Iconotextes, 360 pages, 25€, ISBN : 978-2-86906-682-3

(À Suivre) Archives d’une revue culte (ci-après ASArc) est un ouvrage collectif qui ambitionne de rendre compte de l’histoire éditoriale du magazine de bande dessinée au cours de ses près de vingt ans d’existence (1978-1997), en embrassant aussi ses déclinaisons et dérivés comme la version néerlandaise Wordt Vervolgd, ou encore l’éphémère revue Corto.

ASArc contribue donc à consolider une approche institutionnelle et éditoriale au sein des études de bande dessinée, après des ouvrages comme L’Association : une utopie éditoriale et esthétique du groupe ACME, French Cartoon Art in the 1960s and 1970s. “Pilote hebdomadaire” and the Teenager “Bande Dessinée” de Wendy Michallat ou mon propre Heavy Metal, l’autre Métal Hurlant, et en attendant un ouvrage consacré à Glénat, toujours sous la houlette du groupe ACME. Continuer la lecture

Anthologie de la fellation en BD

 

Nicolas Cartelet (dir.), Anthologie de la fellation en BD, Paris, éditions Dynamite, 2018

De la resucée des vieilles recettes

Avec, en guise de mise en bouche, une image de couverture attendue mais ingénieuse, Nicolas Cartelet propose pour une anthologie érotique un angle original et précis : celui du geste fellateur. Ce faisant, il aurait pu renvoyer aux oubliettes de la ringardise les compilations X généralistes faiblement commentées de ces dernières années1, mais il n’en est rien… Continuer la lecture

  1. Vincent Bernière (dir.), Anthologie de la bande dessinée érotique, Paris, Beaux-Arts éditions, 2012 ; Vincent Bernière (dir.) Les 100 plus belles planches de la bande dessinée érotique, Paris, Beaux-Arts éditions, 2015 []

Animal Comics: Multispecies Storyworlds in Graphic Narratives

David Herman (dir.), Animal Comics: Multispecies Storyworlds in Graphic Narratives, London / New York, Bloomsbury Academic, 2018

Si l’animal comme thème, motif ou spécificité de la bande dessinée a déjà fait l’objet de plusieurs travaux1, David Herman sonne clairement avec l’ouvrage collectif Animal Comics. Multispecies Storyworlds in Graphic Narratives l’arrivée théorique dans les études sur la bande dessinée des études animales, de leurs concepts critiques et d’auteurs cruciaux comme Haraway, Derrida ou Deleuze et Guattari, susceptibles d’apporter de nouveaux éclairages sur l’animal de bande dessinée. Continuer la lecture

  1. Voir Thierry Groensteen (dir.), Animaux en cases : une histoire critique de la bande dessinée animalière, Paris, Futuropolis, 1987 ; Glenn Willmott, Modern Animalism: Habitats of Scarcity and Wealth in Comics and Literature, Toronto, University of Toronto Press, 2012 ; voir également les articles publiés par la revue Neuvième art rassemblés sur Neuvième art 2.0 : http://neuviemeart.citebd.org/spip.php?rubrique34 et Harry Morgan, « Animaux », dans “Dictionnaire esthétique et thématique de la bande dessinée”, Neuvième art 2.0, 2012 []

Getting a Life: The Social Worlds of Geek Culture

Benjamin Woo, Getting a Life: The Social Worlds of Geek Culture, Montréal, McGill-Queen’s University Press, 2018, 268 pages, ISBN 9780773552845

Recension d’Isabelle Licari-Guillaume

Image tirée du compte Twitter de l’auteur – https://twitter.com/geek_worlds/status/974660274237124608

Getting a Life aborde, sous l’angle sociologique, les communautés culturelles de fans que l’on désigne habituellement sous le nom de « nerds » ou « geeks » (deux termes dont Woo montre qu’ils ont en fait un sens à peu près analogue). L’ouvrage est une enquête pour laquelle l’auteur a observé durant plusieurs mois un échantillon paritaire de six individus se réclamant d’une identité nerd / geek, et investis dans un ou plusieurs fandoms[1], souvent via leur participation aux événements menés par les structures locales (associations de cinéphiles ou de reconstitution historique, boutiques de comics, etc.). En cela, le travail de Benjamin Woo se place dans le domaine des fan studies, emmenées notamment par Henry Jenkins et Mizuko Ito.

Bien que l’étude ait été conduite majoritairement en Amérique du Nord (l’auteur ne précise pas dans quelle ville), sa validité ne paraît pas limitée à cette aire géographique. En effet, la plupart des pratiques associées à la communauté geek sont également répandues en Europe, qu’il s’agisse de jeux de cartes ou de plateau, de jeu de rôle en ligne ou sur table, ou encore de comics et de science-fiction. On peut donc supposer que les conclusions qu’il tire sont susceptibles de nous éclairer sur les usages geek en France et en Europe, particulièrement dans la mesure où les communautés concernées doublent leurs pratiques locales d’un usage intense des médias numériques qui, par nature, tendent à abolir les distances.

Continuer la lecture

Les Rouages de l’intrigue, une lecture appliquée à la bande dessinée

Raphaël Baroni, Les Rouages de l’intrigue, Genève, Slatkine, collection “Erudition”, 2017

Recension de Côme Martin

Les Rouages de l’intrigue, paru en 2017, est le dernier ouvrage du narratologue suisse Raphaël Baroni. S’il s’inscrit dans la droite lignée de ses ouvrages précédents, La Tension narrative (2007) et L’Œuvre du temps (2009), et peut en être considéré comme une récapitulation partielle, il s’agit surtout d’un ouvrage de vulgarisation, comme l’indique sa préface, écrit dans un effort de redynamiser l’enseignement littéraire en y faisant la part belle à l’intrigue, domaine de recherche de Baroni depuis plus de quinze ans. Cet ouvrage, qui ne traite pas explicitement ni exclusivement de bande dessinée, est pourtant une lecture importante pour tout chercheur s’intéressant à la narrativité graphique, tant l’une de ses affirmations récurrentes – l’intrigue est présente dans tout récit, même le plus apparemment intellectuel et détaché de toute considération narrative – peut s’appliquer à nos propres sujets d’étude. Continuer la lecture

Souvenirs de Captain Marvel

Couverture par Keiler Roberts (© Keiler Roberts 2016)

Brian Cremins, Captain Marvel and the Art of Nostalgia, Jackson, University Press of Mississippi, 2016, 203 pages, ISBN 978-1-4968-0876-9.

Note critique de Benoît Crucifix

Le premier souvenir de Captain Marvel est peut-être celui d’une forme de mort légale : le personnage de Fawcett serait une pâle copie de Superman et son éditeur, National Comics (aujourd’hui DC), n’entend pas laisser passer l’affaire. Après un long procès, ponctué de plusieurs appels et différentes auditions, l’affaire se conclut en 1952, quand Fawcett concède de cesser la publication du Captain Marvel de C.C. Beck et Otto Binder.1 Alors que les superhéros habitaient un « présent immobile », selon la formule d’Umberto Eco (1976, 33), l’accord juridique entre les deux éditeurs condamnait définitivement Captain Marvel au passé2, si ce n’est pour subsister dans les mémoires de ses lecteurs, conférant au personnage une valeur nostalgique toute particulière :

Pour les lecteurs, c’est la disparition de Captain Marvel des kiosques et des drugstores. C’est une fin qui inspire des sentiments de nostalgie, puisqu’on tente de retrouver ce qui a été perdu, négligé, ce qui semble impossible (Cremins 2016, 8).3

Cette fin n’en est pas vraiment une et ne fait qu’inspirer de nouveaux départs : c’est cette expérience nostalgique comme imagination utopique qui est au cœur de la monographie de Brian Cremins. Plutôt que de voir dans la nostalgie un sentiment réactionnaire, opposé au changement et s’évadant dans un passé de papier mâché, Captain Marvel and the Art of Nostalgia revendique une nostalgie orientée vers le futur, qui trouve dans le passé des lectures alternatives. Ce cadre est largement basé sur la théorie de la nostalgie élaborée par Svetlana Boym (2001) ; un parti pris assumé dès le départ et qui se permet donc d’être plus économe avec ce champ de recherche autour de la nostalgie.4 Pour autant, le cadre n’est pas plaqué tel quel et est au contraire appliqué avec beaucoup de justesse à l’histoire de la bande dessinée. L’originalité de l’approche de Cremins réside justement dans la manière dont il se saisit du rapport complexe qu’entretient la recherche en bande dessinée à la nostalgie et au fandom.

Continuer la lecture

What Happens When Nothing Happens: une poétique de l’ennui en bande dessinée

Greice Schneider. 2016. What Happens When Nothing Happens. Boredom and Everyday Life in Contemporary Comics. Leuven: Leuven University Press.

Une poétique de l’ennui en bande dessinée : paradoxes et mérites d’une méthode glissante et dialectique

Note critique d’Irène Le Roy Ladurie

L’ouvrage What happens when nothing happens est tiré de la thèse de doctorat de Greice Schneider, actuellement professeure en communication à l’Université fédérale de Sergipe. Elle propose une exploration originale des romans graphiques contemporains nord-américains et européens sous l’angle inattendu de l’ennui et du quotidien. Greice Schneider module une approche à la fois historique, culturelle, esthétique et narratologique du phénomène. C’est la pluralité de ces angles articulés dans une combinatoire cohérente qui fait pour partie le grand mérite de l’ouvrage, renouvelant des approches par trop monolithiques dans l’exégèse des bandes dessinées. Le corrélat plus appréciable encore de cette démarche est le parti pris d’analyse complète d’œuvres de bandes dessinées, tout au long de l’ouvrage, mais également au terme de celui-ci dans trois chapitres dédiés respectivement à Adrian Tomine, Lewis Trondheim et Chris Ware, prouvant ainsi qu’il n’est pas d’étude approfondie du 9ème art sans commentaire exigeant et exhaustif d’œuvre de bande dessinée. Continuer la lecture

Disaster Drawn: Visual Witness, Comics, and Documentary Form

Hillary Chute, Disaster Drawn: visual witness, comics, and documentary form, Harvard University Press, 2016, 359 p.

Recension d’Isabelle Licari-Guillaume

Dès réception de l’ouvrage, ce qui saute aux yeux est la qualité matérielle du volume ; publié aux Presses Universitaire de Harvard, Disaster Drawn bénéficie d’une impression soignée et de très nombreuses pages en couleur où sont reproduits des extraits des différents ouvrages de bande dessinée analysés par Chute, mais aussi des gravures et autres supports iconiques qu’elle aborde. Cette abondance d’illustrations, très appréciable à la lecture, permet de suivre aisément l’autrice dans son parcours de l’histoire des formes iconotextuelles et de leur rapport au récit traumatique. Chute maintient d’ailleurs le parti pris déjà adopté dans son précédent ouvrage, Graphic Women, qui consiste à reproduire les images au plus proche de leur format d’origine, en cohérence avec la grande attention qu’elle accorde aux supports visuels.

Toujours sur la forme, en revanche, on s’interroge quant à la pertinence d’une section bibliographique intégralement présentée sous forme de notes de fin de texte, lesquelles occupent près de 80 pages entrelardées des notes textuelles explicatives (pp. 267-346) : dans ces conditions, l’accès aux sources devient un parcours du combattant, particulièrement regrettable dans le cadre d’un projet si clairement tourné vers le lectorat universitaire. Continuer la lecture

La Bande dessinée contemporaine

Nicolas Labarre, La bande dessinée contemporaine, Presses Universitaires Blaise-Pascal, Collection “L’opportune”, 2018, 64 p.

Recension de Benjamin Caraco

La bande dessinée a eu droit aux honneurs de la collection encyclopédique « Que sais-je ? » dès 1985. Le volume écrit par Annie Baron-Carvais (2007) a connu cinq éditions jusqu’en 2007 et n’a pas été actualisé depuis ou confié à un nouveau spécialiste, comme c’est parfois le cas. Si le sujet a bénéficié d’autres introductions – telles que La Bande dessinée de Benoît Peeters (1993) parue dans la collection « Dominos » de Flammarion en 1993 ou un autre ouvrage éponyme signé Thierry Groensteen (1997) pour les « Essentiels » de Milan en 1997, mis à jour en 2005 – force est de constater que de telles tentatives sont rares, en dépit de l’importance de la bande dessinée en termes économiques et culturels.

Ces synthèses jouent pourtant un rôle déterminant puisqu’elles sont bien souvent la seule occasion pour le lecteur intéressé, ou simplement curieux, de disposer d’une vue d’ensemble de la bande dessinée et de découvrir une réflexion critique, historique et théorique sur le médium. En cela, La Bande dessinée contemporaine de Nicolas Labarre (2017), spécialiste de la civilisation américaine et auteur d’un récent Heavy metal, l’autre Métal hurlant, est une initiative bienvenue. Publié dans la nouvelle collection « L’opportune » des Presses universitaires Blaise Pascal, le livre entend faire le point sur le sujet en 64 pages, prenant ici comme fil directeur l’évolution des supports de la bande dessinée contemporaine1. L’accent mis sur une telle temporalité conduit Labarre à passer rapidement sur les aspects historiques. Il compare toutefois, dans le premier chapitre, la situation de la bande dessinée à cinquante ans d’intervalle afin de mettre en lumière les nouveautés intervenues ainsi que les éléments de continuité.

Continuer la lecture

The Narratology of Comic Art

Kai Mikkonen, The Narratology of Comic Art, Routledge, Collection « Routledge Advances in Comics Studies », 2017.

Recension d’Anne Grand d’Esnon

Ayant commencé à apprendre à lire avec des bandes dessinées, je me suis depuis posé des questions comme « Pourquoi les récits de bandes dessinées sont-ils si intéressants et attirants ? » et « Qu’est-ce qui est particulièrement efficace dans le fait de raconter des histoires grâce à cette forme d’art et de littérature ? ». L’écriture de The Narratology of Comic Art a été l’occasion d’explorer de telles questions en profondeur.

Having first learned how to read by way of comic books, I have posed questions to myself such as: “Why are comics so interesting and appealing as narratives?” and “What is particularly effective about telling stories in this form of art and literature?”. The process of writing The Narratology of Comic Art has been a meaningful way to explore such questions. (Mikkonen 2017, 278)

Dans la conclusion de son ouvrage The Narratology of Comic Art, Kai Mikkonen insiste sur l’enrichissement et l’articulation entre expérience et plaisir de lecture d’une part, et recherche narratologique d’autre part, là où certain·es verraient une contradiction. La narratologie, pour Mikkonen, n’a véritablement d’intérêt que si elle tente de comprendre le rôle de la forme dans la production de sens. Cette conception de la théorie narrative s’appuie en même temps sur un parti-pris qui consiste à en circonscrire d’emblée le territoire en renonçant à une ambition théorique totalisante, en accordant une place essentielle à l’interprétation et aux exemples : une narratologie qui produit et affine des outils d’analyse souples au service des œuvres, susceptible de se déplacer et de se transformer en fonction des médiums et des périodes. Le résultat de cette entreprise est un ouvrage qui synthétise et approfondit un ensemble de problématiques de la narration de bande dessinée jusqu’ici plus éparses. Continuer la lecture